Parece una amalgama de temas traídos a colación por el simple gusto de hablar de cine.

De cierto modo se trata de un capricho surgido a partir estampas notables, como la friolera de Oscar para The Artist, una de las más arriesgadas aventuras del séptimo arte en el Nuevo Milenio.

También la coincidencia de tropezarme con Isabelle Huppert y los agradables recuerdos de la serie humorística francesa Un gars, une fille, que hizo Dujardin en compañía de su esposa, Alexandra Lamy, de 1999 a 2003 con resonante éxito.

Reza en la historia de las fechas especiales, que el 13 de febrero de 1894 fue patentado el cinematógrafo, creación de Auguste y Louis Lumiére, oriundos de Besançon aunque crecidos en Lyon, uno de los emporios culinarios de Francia.


Curiosidad. Desde hace 13 años, Lyon festeja a inicios de diciembre la Fétes des Lumiéres, una versión mundana y bastante afrancesada de la celebración religiosa consagrada a la Virgen María y que de cierto modo, venera asimismo a los hijos adoptivos de Lyon, los hermanos Lumiére.

Lo más interesante es que tal vez, sin calcular el alcance del fabuloso invento, la vocación científica de Auguste y Louis se inclinaba hacia otros temas y el surgimiento del séptimo arte fue más bien para ellos un medio utilitario.

Dicen los historiadores que con el estreno de su primera película en París, en 1895 con el nombre de La sortie des ouvriers des usines Lumiére a Lyon Monplaisir, lejos de subrayar el inicio de una prolífica carrera creativa, acentuó la futura explotación comercial del dominio.

Sin embargo, Auguste tomó distancias y siguió inmerso en la investigación de la biología y fue Louis quien dio mayor continuidad a la carrera del celuloide, con la creación del fotograma, la placa de tricromo para captar el color, la fotografía en relieve y el cine estereoscópico.

De todos modos, tanto Louis como Auguste coincidieron en sentenciar: el cine es una invención sin futuro. ¡Que cosa!

-SILENCIO Y GESTUALIDAD-

Difícil imaginar que 118 años después, la ceremonia de los premios Oscar de la Academia de Hollywood (2012) en Los Angeles se rindiera en pleno siglo XXI a los pues de un largometraje silente gracias a la agudeza de un realizador francés, Michel Hazanavicius.

Cinco Oscar fue la conquista ovacionada en la meca del cine estadounidense, que ya había dado su bendición tácita a The Artist con los Globos de Oro y decenas de elogiosos comentarios en la prensa especializada.

Mudo y en blanco y negro, literalmente, sin concesiones. Un trabajo exquisito para dejar la cinta en una maqueta frugal, con el cine dentro del cine multiplicado de forma incesante, con elipsis y parábolas de una fineza preciosista.

En el camino de estos lenguajes inteligentes, de Festivales llenos de glamour como Cannes o más sencillos en La Habana, Isabelle Huppert.

Bastaría recordar su hermetismo expresivo en La Ceremonia o la fuerza abrumadora de La pianista, para concluir que estamos ante una de las actrices más sólidas del cine en Francia, Europa y quizás de todo el mundo.

Para mí, actuar en el cine es como emprender un viaje, introspectivo muchas veces, que se confunde entre la ficción y la realidad y si bien pareciera en un momento dado una tendencia hacia ciertos personajes complejos, igual me agrada lo simple, admitió recientemente.

Entre el ambiente sórdido y la fantasía, que acompañan sin ambages lugares comunes en una “ética de la decencia”, ligada a patrones de religiosidad y a una educación en extremo conservadora.

¿Sexo oral?. La primera pregunta sin respuesta de momento, apunta a cómo graficar esta nota sin herir sensibilidades y mucho menos decepcionar a lectores habituados a seguir mi blog sin sobresaltos.

Marlon Brando y María Schneider retozaron con fruición en El último tango en París (1972) de Bernardo Bertolucci, aunque detrás del telón la entonces jovencita francesa fallecida en 2011 sufrió bastante, según llegó a confesar, en medio del sórdido ambiente que dominó el rodaje de la antológica película.

A fin de cuentas con incluir una foto de Bill Clinton o de Mónica Lewinski sería más que suficiente, sin necesidad de escenas explícitas…


Aunque bien mirado el caso, la publicidad subliminal de hoy en día –poco subliminal en verdad- no pierde oportunidad para regalar imágenes de espectaculares modelos de labios esponjosos con sugerentes posturas.

Otra aproximación del cine se dio en Nueve semanas y media (1986), con la siempre escultural Kim Bassinger y el rudo de Mickey Rourke. Sin embargo, lo más atrevido en el tránsito de una muy delgada línea del erotismo al porno, llegó de manos de un francés.

Patrice Chéreau propuso Intimidad que le granjeó el premio de intrepretación femenina a Kerry Fox en la Berlinale de 2001. Algunos lo calificaron de “supremamente audaz”, otros vieron la cinta con la idea subyacente de jugar al porno, y el resto se plantó en dos polos: escándalo o ingenio del director para abordar aristas humanas sin complejos.

Pero nada, los tiempos cambian y en la actualidad se trata el tema con recurrencia y lejos de escándalos o aspavientos. A fin de cuentas es en realidad, un hecho normal y cotidiano, intrínsecamente vinculado con el amor y nuestra propia reproducción, según los muy liberales sexólogos franceses.

El sexo oral, reconocido y aceptado a lo largo de la historia, se hizo parte indisoluble en las relaciones amorosas. Es asumido con desenfado por la juventud, aunque pertenece todavía, en influyentes sectores sociales, a los secretos de la intimidad.

Una valoración arriesgada de la doctora Adriana Santos, colombiana, analista de cuestiones vinculadas a los lazos íntimos.

Felación, en el caso de la mujer, y cunnilingus en el hombre, son prácticas indisolubles en el sexo desde los últimos 20 años del siglo XX y, por supuesto, indispensables en la pareja del Nuevo Milenio, remarca la doctora Santos para quien no se concibe una interacción completa si faltara este elemento.

“Es una técnica de comunicación sexual que puede llegar a estimular, ser gratificante y hasta producir orgasmos”, puntualiza.

Jean Luc Guerlain, reconocido especialista francés, expone otros puntos de vista: se trata simplemente de una expresión de la sexualidad que es común entre los europeos, latinoamericanos y creo que también en todas las latitudes”.

Los prejuicios religiosos o limitaciones en una educación rígida, se enfrentan cada vez más a la liberación, la apertura total en este terreno, por lo cual el sexo oral se aparta de los tabúes, argumenta Guerlain.

Sin embargo, es válido admitir que el rechazo de algunos sectores sociales a la felación y el cunnilingus se asocian a la formación cultural, desde el hecho de que en los primeros años de vida se les subraya a los niños que los órganos genitales son antihigiénicos y no deben tocarse.

Los sociólogos en mayoría abrumadora coinciden en criticar la idea vendida por la industria porno de que es un acto privativo de gente liberada; de orgías, alcohol y drogas.

Por añadidura –y no cualquiera- con absoluta ignorancia se asume que los nexos bucogenitales son literalmente peligrosos.

Ginecólogos consultados aseguran que contagios de herpes y verrugas venéreas (condiloma acuminado) son poco frecuentes, debido a que la saliva contiene enzimas capaces de evitar esa posibilidad, como tampoco es cierto que el líquido seminal sea nocivo para la salud.

Y bien, aquí llegamos, todavía sin precisiones de las fotos que acompañarán el artículo. Hora de dormir, se repiten los bostezos. ¡Suerte!

De los bolsillos es más fácil encontrar una definición precisa, pero no así de los metrosexuales. Son hombres proclives al cuidado personal extremo, que se rasuran hasta el pubis usan cremas faciales, se tiñen el cabello y adoran la ropa ceñida al cuerpo.

Son una mezcla de virilidad desafiante (van a gimnasios, hacen pesas y cuidan su dieta al detalle). Antes, diría mi abuelo catalán, eran simplemente “narcisistas” o “maricas”, que alguna vez los llamaron “dandy” y otros terminaron siendo travestis.

Caravaggio pintó su versión del Narciso –el personaje que se amaba a sí mismo según la mitología griega-, aunque fue Sigmund Freud quien hizo célebre el concepto en el área del psicoanálisis.

En todo caso, la idea no es hacer un ensayo del narcisismo. Simplemente traer el término a colación para remarcar como los barones (y baronesas) de la moda se han valido de la impronta humana en el siglo XXI a partir del capítulo metrosexual.

De un tiempo hacia acá, la línea de cosméticos masculinos dio un salto trascendental y aunque todavía no compite en diversidad en relación con las féminas, las principales casas se lanzan al mercado con una variada gama de “after shave”, productos antifatiga, suavizadores de la piel y relajantes musculares.

Todo con un toque macho, para que no se diga. Lo mismo con camisas entalladas para resaltar bíceps y triceps, o jeans ajustados a la medida de los glúteos, con chaquetas abiertas que dejan ver los fornidos pechos en el mejor de los casos.

Muy sospechoso, nada de eso es para mí, me comentaba en fecha reciente el amigo George de Ginebra, quien sin embargo, a propósito de los torneos internacionales de fútbol, gusta teñir su cabello de rubio o rojo encendido.

George seguramente no sabe que el término metrosexual fue acuñado en 1994 por el inglés Mark Simpson para definir al hombre del Nuevo Milenio, a partir de los vocablos metrópolis y sexual.

Son muchos los famosos que practican los métodos de cuidado personal de los metrosexuales, entre ellos los futbolistas David Beckham y Cristiano Ronaldo.

-Bolsimanía-

En fin. Así surgió también la “bolsimanía” en la idea de hacer de pantalones y bermudas una suerte de jeroglíficos de adornos de bolsillos de los más diversos tamaños y diseños. Con cremalleras, botones o detalles disimulados.

El 90 por ciento, inútiles. Como sustitutos de otra moda prácticamente en desuso. De ponderar, por encima de cualquier consideración estética, los emblemas o signos distintivos de determinadas marcas.

Inicialmente, el concepto de los pluribolsillos aliviaba un poco el fardo de documentos, tarjetas de crédito, celulares, blackberry, iPhone, iPad, gafas … con los cuales cargan los hombres modernos.

Empero, no son elegantes y para eso se inventaron las carteras masculinas. Primero solapadas como portafolios o “maletines ejecutivos” y, ahora, claramente con el nombre aderezado en apelativos de corte macho.

Son en definitiva carteras, pero carteras machos.

Caprichos de la moda y prejuicios del pasado que van quedando atrás. Hoy en día casi da lo mismo.

Un detalle. Los productores de películas del oeste de Hollywood y del Japón feudal, deberán tomar en cuenta la moda de las prendas megabolsillos. Duelos entre cowboys duros, vestidos con pantalones generosos en espacios, tendrán el privilegio de prolongarse horas.

¡Cuántas balas y pistolas!. ¡Cuántas estrellitas cortantes para ninjas, kendos y botellas de sake!

¿Problemas?. De cierto modo para los carteristas, en dificultades para detectar en cuál bolsillo está el dinero, el teléfono móvil o las tarjetas de crédito.

Debo confesar, antes de irme a la cama, que el pantalón que acabo de quitarme, tiene 8 bolsillos.

Algunos adoran los embates quemantes del tequila, el efecto nocaut del vodka o los aires bullangueros del ron. Tengo amigos que serían capaces de asimilar un cóctel con todas estas bebidas, de forma separada.

A priori, la cerveza inscribe su nombre en el pináculo de la popularidad de las bebidas ligeras, seguida por el vino. Sin embargo, entre los pesos pesados, los caminos apuntan hacia Escocia e Irlanda.

La primera referencia escrita del whisky se remonta a 1495, bajo el reinado de Jacobo IV, aunque los orígenes del destilado nos conducen a 3,000 años antes de Cristo y, sorpresa, coloca a los egipcios como precursores de la elaboración de este y otros deleites asociados al alcohol.

Secretos de pirámides al margen, el antiguo Egipto dio nacimiento al arte de la destilación, consagrado entonces a perfumes, barnices y licores de extraño sabor, poco conocidos más allá del caudaloso Nilo.

Avida de evangelizar otras tierras, la Europa Medieval se interesó en conocimientos ancestrales a cambio de ofrecer el mensaje de Cristo. Así, a través de los monjes católicos, la destilación llegó al Viejo Continente en un momento de esfervecencia de experimentos con frutas, granos, hierbas y vegetales.

En los monasterios inicialmente se comenzó a probar con jarabes medicinales, pero la tentación del diablo etílico tocó las puertas de los fríos recintos religiosos.

Un trago de Fuego Ardiente se transformó en Aqua Vitae que a su vez el gaélico de los celtas convirtió en “quisgue beatha”, derivando luego en “uasqua” y por último, whisky, un nombre que con sólo escucharlo desata torrentes salivales en el amigo Marin Tayab.

El secreto de su elaboración está rodeado de anécdotas que recuerdan la célebre novela del erudito italiano Umberto Eco, El nombre de la rosa. Según expertos, la paternidad de la bebida corresponde a monjes irlandeses, mientras otros aseguran que ya los escoceses conocían los misterios del whisky.

-Colores y barriles-

El color es una de las tradiciones de mayor envergadura alrededor de la elaboración del whisky en Escocia. Contrario a la creencia generalizada, se asocia al estilo con que una marca desea ser identificada por el consumidor y no por los años de envejecimiento del producto.

Según especialistas escoceses, un whisky claro puede tener la misma fuerza y graduación que uno oscuro. El color depende en realidad del tipo de barril donde es almacenado el aguardiente después de su destilación, porque al finalizar el proceso es incoloro, similar al vodka.

En los conciertos del whisky se emplean tres tipos de barriles de cinco tamaños diferentes. Los más cotizados, otra curiosidad, proceden de España (luego de producir Jerez o vino de Málaga) y de Portugal (tras concluir el famoso Oporto).

Cada barril almacenará por ley el whisky durante un mínimo de tres años y hasta dos décadas si el productor lo desea. Pequeñas cantidades de jarabe de caramelo concentrado se introducen en los aguardientes, que posteriormente retornan a los barriles por períodos de cuatro a seis meses para hacer la fusión lo más íntima posible.

Al salir de las barricas, se le añade la mítica Agua Pura de Escocia, con la cual aparece la graduación alcohólica deseada y, acto seguido el proceso de embotellamiento que tampoco se hace al descuido.

-Highlands-

Los whisky de malta (Single Malt) son los más apreciados en el mercado internacional. Hay 117 tipos y se producen en 97 destilerías ubicadas en las Highlands (las tierras altas de Escocia).

El malta es añejo, perfumado y supera en calidad al mezclado (blended) de 10, 12 o 15 años. Las marcas más prestigiosas nacen en las riveras del Spey y en sus tres afluentes: Livet, Fiddich e Isle, cerca de la autopista de Glasgow-Edimburgo.

Sin embargo, los blended tampoco son despreciables. Se elaboran a base de cebada, maíz y trigo, con procesos y alambiques menos complejos que los reputados Single Malt.

De nombres, muchos se asocian al poder y al glamour, aunque hay una máxima que casi nunca falla: si son escoceses o irlandeses, poseen un nivel cualitativo exquisito.

Y si alguien no lo recuerda, me refiero a Caruso, la bellísima canción que dio la vuelta al mundo con letra y música de Dalla, quien el 4 de marzo cumpliría 69 años y recién ofrecía un entrañable concierto en el Auditorio Stravinski de Montreaux, una de las plazas del lujo del jazz en Europa.

Andaba de gira para promover su último CD, Questo E´Amore, una recopilación de temas menos conocidos concebidos entre 1971 y 2011. Sufrió un infarto que no rebasó en una pequeña urbe suiza llena de historia y símbolos alrededor de la cultura.

Montreux fue refugio de Igor Stravinski, Charles Chaplin y Barbara Hendricks. También, frente al lago Leman, hay una estatua de Freddy Mercury, el inolvidable solista de Queen, quien enfermo de SIDA, decidió pasar los últimos meses de vida en esa ciudad.

Lucio Dalla, este pequeño gran hombre, fue victima de una mala pasada que dejó sensaciones disímiles de tristezas, pero igual de ternura. Murió lleno de alegría por el éxito de su recital y en un lugar entrañable para la música.

Bolonia, su lugar de nacimiento, Italia y numerosos países, transmitieron el adiós del genio que trajo de vuelta a Caruso con Luciano Pavarotti.

Los dejo ahora con un extracto de la crónica publicada en este blog el 31 de agosto de 2009.
…

Triste, con la mirada perdida en el Golfo de Sorrento, Enrico Caruso contemplaba el horizonte persuadido de que las manecillas del reloj de su vida se iban desvaneciendo.

Debió sentir también una enorme frustración al descubrir el intenso amor con una camarera del hotel, desde donde de manera intimista se despedía del mundo.

Sesenta y cuatro años después de su muerte, un italiano consagrado al pop con acento tradicional napolitano, Lucio Dalla, componía una canción en su homenaje, de esas que pasan a la historia del pentagrama y nos acompañan siempre.

No sería una excepción en la carrera de Dalla. Más recientemente, en el año 2004 participó en el disco colectivo “Neruda en el corazón”, un homenaje en el centenario del nacimiento del insigne poeta chileno Pablo Neruda. Se sumaba a figuras como Ana Belén, Joan Manuel Serrat, Jorge Drexler, Julieta Venegas, Miguel Bosé y Víctor Manuel, entre otros.

Curiosamente o más bien en una suerte de digno tributo, Dalla puso su timbre rasgado en función del desaparecido Luciano Pavarotti para convertir a Caruso en una estremecedora pieza de amor y ternura.

De hecho se convirtió en la primera melodía de corte pop, pero con matices operáticos e interpretada en tono alto, tan alto como quiso Pavarotti. Así logró el magnetismo que tocó a los más disímiles gustos y llegó hasta los jóvenes rebeldes.

“Qui dove il mare luccica e tira forte il vento su una vecchia terrazza davanti al golfo di Surriento…”

Decía de esa manera el comienzo de la canción original de 1985 del disco Bugie que tuvo su estreno en el concierto Dallamerica y luego vendió ocho millones de copias en más de 30 versiones.

La española Ana Belén fue una de las últimas en experimentar con el romance alrededor del Golfo de Sorrento y con gran profesionalidad interpretó la letra en español al lado de Lucio Dalla en el CD Mírame.

El italiano Andrea Bocelli, el venezolano Ricardo Montaner y el francés Richard Clayderman se sumaron al club Caruso, en una extensa lista en la cual sigue escrito en mayúsculas y con letras especiales el nombre de Luciano Pavarotti.

“…un uomo abbraccia una ragazza dopo che aveva pianto
poi si schiarisce la voce e ricomincia il canto”.

Es un texto que expresa con sensibilidad y admiración un pasaje anecdótico de la vida del más famoso tenor de la historia. Alejado de su esposa e hija por unas semanas, ante la afección pulmonar que lo llevaría a la muerte, Caruso, según cuentan, se aferró al último suspiro de su vida con un amor imposible, platónico.

Te voglio bene assaie
ma tanto tanto bene sai
è una catena ormai
che scioglie il sangue dint’e vene sai

Nacido en marzo de 1943, Lucio Dalla es toda una personalidad en Europa desde la década de 1970 y su sello principal se asienta en los caminos innovadores del pop, el blues y el jazz internacional, con gran influencia de James Brown, Ray Charles y Ottis Redding. Pero su voz se hizo notable con Caruso.

Bajito, de barba rala y sombreros cambiantes, tiene asimismo una notable reputación como compositor para el cine y la televisión. Monicelli, Giannarelli y Verdone, junto con Michele Placido (Mamma Lucia, con Sofía Loren), se inscriben entre sus trabajos más relevantes.

Clarinetista y tecladista displicente, empero, con la guitarra, Dalla confesó a propósito de Caruso su inclinación por las propuestas inteligentes en la música. “En el fondo soy un solitario que piensa en pasajes profundos como el capítulo de Caruso”, acotó en una ocasión.

La fama no terminó entonces con Bugie. En 1988 realizó una gira mundial al lado de Gianni Morandi, que dio lugar al disco Dalla-Morandi y posteriormente consiguió primacía de ventas en Italia con Cambio, Henna, un homenaje al automovilista brasileño Ayrton Senna, Ciao y Lucio para completar más de una treintena de álbumes.
(El artículo completo en la sección Pentagramas, de agosto de 2009)

Sin pensarlo dos veces, muchos melómanos tendrán a mano a Kenny G. o más bien Kenneth Gorelick, su verdadero nombre.

Saxo soprano, que en ocasiones incursiona el pentagrama con el saxofón tenor y alto, consiguió en una meteórica carrera lo que para la mayoría de los jazzistas es un sueño inalcanzable: hacerse millonario, con un estilo muy propio del cual desbarran puristas del género.

Hace algún tiempo, el reputado guitarrista estadounidense Pat Metheny se mostraba bastante lapidario: Kenny G. no es un músico. No hay mucho de que hablar sobre cómo toca, ni en un concierto en vivo, ni en grabaciones de estudios (…).

Es una opinión, pero no cualquiera. Metheny ha sido ganador de 17 premios Grammy y se le considera uno de los monstruos sagrados de la música contemporánea.

Sin embargo, por suerte existe la pluralidad de pensamientos. Meses atrás en París le repetía el comentario de Metheny al talentoso y joven pianista cubano Harold López-Nussa y su reacción fue diametralmente opuesta.

Con Harold (del clan López-Nussa) intercambiamos en torno a la dicotomía de los músicos actuales, muy especialmente los jazzistas, enfrentados a incursionar caminos tal vez más comerciales para poder adelantar una carrera exitosa.

De hecho, este virtuoso caribeño de 27 años tiene una formación clásica que derivó en el jazz.

Recordemos a Luciano Pavarotti, el inolvidable tenor italiano, cuando decidió popularizar el “bel canto” con un acercamiento colosal en célebres dúos con Frank Sinatra, Celine Dion, Sting y Andrea Bocelli, entre otros, y conciertos con Bryan Adams, Bon Jovi, Queen, Zuchhero, Eros Ramazzotti, Michael Bolton y Natalie Cole.

-Multifacético Kenny-

Kenny G. tiene muy buen gusto. Digan lo que digan. La fineza de sus canciones junto al virtuosismo y la pulcritud de sus ejecuciones ofrecen siempre deliciosos productos.

Su rostro juvenil, adornado siempre con una encrespada melena, se antoja sello de frescura en sus melodías. Puede soportar los embates de los críticos, porque a cambio hasta los neófitos distinguen su sonido de sello propio.

Alegre, melancólico o hasta meloso edulcorado. Concertista en recitales al aire libre y en teatros cerrados para auditorios selectos, autor de bandas sonoras de numerosas películas norteamericanas. Nombre insoslayable, sin dudas.

Sus primeras obras fueron deslumbrantes, pero con Siluetas (1989) a partir de presentaciones en vivo, le permitió escalar el pináculo de los elegidos. A tal punto que las casas discográficas no perdieron tiempo y en el impasse colocaron en el mercado recopilaciones de sus más descollantes actuaciones.

“Necesito que cada nota nazca de los sentimientos de mi corazón y estos sentimientos sólo ocurren cuando en verdad están listos. La música no puede recibir dictados, porque es mucho más grande que el propio hombre”, comentó Kenny G. a propósito de su CD Breathless (Sin aliento).

“Mi corazón, mi alma y dos años de mi vida transcurrieron en esta colección de canciones, algo que siento con valor y estuvo esperando por ustedes (…)”, completó su diálogo con amantes de sus producciones más significativas como Breathless.

Sus travesuras de apariencia desenfadada lo colocan, en todo caso, en el selecto clan de los impertérritos de la música, con olfato para hallar la balanza exquisita en la concepción de un disco.

Uno de sus clásicos fue Duotones de 1986, pero en un repaso general de sus producciones aparecen los privilegios de sus encuentros ocasionales con estrellas de la interpretación vocal o instrumental.

Me agrada bastante At last …The Duets Album, en el cual logra empalmarse nada menos que con Gladys Knight, David Sanborn, Daryl Hall, Richard Marx … y con sus majestades de Earth, Wind and Fire, y, la Reina de las Reinas, Barbra Streisand, en caricias de terciopelo con el pentagrama.

Todavía los debutantes que recién descubren los nudos asfixiantes de la atribulada personalidad de Perkins, gritan, tiemblan o cierran los ojos. Con Steward y la belleza atemperada de Novak se estremecen en la incertidumbre.

Al César lo que es del César. Aunque Alfred Hitchcok dijo adiós a este mundo en 1980, no hay dudas que su espacio sigue intacto. Fue el rey del suspenso y hasta el momento, puede decirse, nadie logró hilvanar una carrera tan brillante en el género.

Frente a una silueta femenina dibujada detrás de una cortina de baño, será difícil no recordar a Anthony Perkins en su Psicosis (1960) de muerte. Como tampoco en la fobia a las alturas, el Vértigo (1958) de Steward pasaría inadvertido en ese morbo interior de thrillers que todos llevamos dentro.


Los métodos de Hitchcok, con sus escapes magníficos de realidad y los trucos diseñados para crear sorpresa, vuelven a ser ponderados por Hollywood en sus anhelos de recuperar a ultranza la siempre veleidosa taquilla.

El thriller es un poderoso gancho nada despreciable. Sólo que imitar al Hombre del Traje Negro, como muchos llamaban al famoso director británico para aproximarlo al cine negro, es un gran desafío.

Dos intentos, aderezados con el componente sexual, resultaron interesantes en los finales del siglo XX. Atracción fatal siguió de cierto modo los patrones de Psicosis, con el añadido excepcional de la presencia de dos actores de renombre.

Michael Douglas y muy en especial Glenn Close (nominada al Oscar) le dieron el glamour a la cinta de Adrian Lyne que llegó hasta el umbral de los clásicos. Si bien no logró la bendición en virtud de ciertas concesiones comerciales, el frenesí erótico de la pareja en un ascensor es memorable.

Luego el propio heredero del imperio de Kirk Douglas hizo otra apuesta, acompañado por la sensual Sharon Stone en Instinto Básico. El fantasma de Hitchcok estaba omnipresente y el thriller atrapaba. Paul Verhover, el realizador, acarició la trascendencia aunque de pronto se excedió en adornos sensacionalistas de lugares comunes.

-The Master-

Stephen Rebello, autor del libro Alfred Hitchcok y la realización de Psicosis, cuenta con un caudal de teorías inspiradas en el estudio de la trayectoria del mago del suspenso.

“El juego es atemorizar el infierno fuera de tu control; dar un thriller tremendo, enseñar algo y finalmente sentarte de nuevo en la butaca del teatro tal y como estabas antes”, argumentó.

Rebello desliza que hay reglas del suspenso rígidas e ineludibles. Entre ellas, una trama brillante con sentido psicológico, bases de realismo y técnica intachable.

En La mano que mece la cuna, no tiene lógica que un matrimonio joven y muy enamorado contrate a una baby setter sin referencias y por añadidura, atractiva (el famoso papel de Rebecca de Mornay), consideró el especialista.

Para la generación del Nuevo Milenio, vale la pena decir que este Man in Black a la antigua fue el autor de cintas antológicas como 39 escalones, Los pájaros, El hombre que sabía demasiado, Frenesí, Vértigo (de entre los muertos), Psicosis (…); y dirigió entre otros a Paul Newman, Grace Kelly, Cary Grant, Janeth Leigh y Julie Andrews, además de Perkins, Steward y Novak.

Lo esencial es que Hitchcok comprendía con brillantez la audiencia mucho mejor que nadie, subraya Rebello para advertir que no será fácil dar continuidad a la línea del maestro.

Lo curioso es que pocos vislumbraban entonces el vertiginoso ascenso de dos de las futuras leyendas vivientes de la disciplina, inventada por el profesor de educación física James Naismith en 1891 en la YMCA de Springfield, Estados Unidos.

A “Magic” Jonhson lo “descubrí” en Atlanta en 1978 en ocasión del Torneo Mundial de Baloncesto por Invitación. Con 19 años era ya un gigantón de 6 pies y 9 pulgadas (2,06 metros). Me llamó la atención su estatura en posición de base.

Le comenté a un reputado técnico latinoamericano del jugador procedente de la Universidad Estatal de Michigan, en torno a su talla y la rareza de contar un defensa tan alto, y su respuesta fue tajante: tiene que ser un bluff para intimidar …

Pero no era una fanfarronada. Earving Johnson recibió el apodo de Magic por su extraordinaria habilidad para los pases, que a lo largo de su carrera siempre resultaron desconcertantes y sorprendentes para sus rivales.

Cierto que alternó en otras posiciones porque desde que pactó con Los Angeles Lakers en 1979, se convirtió en una pieza indispensable para el colectivo y también, como integrante de lujo del mítico primer “Dream Team” en los Juegos Olímpicos de Barcelona-92.

Un detalle: Magic Johnson compartió filas en la cita del 78 en Atlanta, Chapel Hill y Lexington con Larry Bird, quien sería luego su archirival como alero fuera de serie de los Boston Celtics.

La notoriedad aumentó con su drama personal al contraer el virus del VIH que hizo público en 1991, aunque se mantuvo activo algún tiempo después en la NBA y fue a Barcelona en esas condiciones. Sigue con vida y dedica tiempo como activista para hablar del SIDA y sus peligros.

-Michael Jordan-

Sin comenzar la liza del básquetbol masculino de los Juegos Panamericanos de Caracas, Venezuela, en 1983, el nombre de Michael Jordan se había convertido en una obsesión.

Neoyorquino, demasiado proclive al espectáculo sobredimensionado cuando todavía no era una estrella, “Air Jordan” impactó con su estilo en Caracas aunque con más alardes que juego vistoso. A los 20 años necesitaba madurar.

Escolta de 1,98 metros deslizaba en las canchas habilidades de un prodigio. Veloz, hábil con el manejo del balón y con fintas de gran dinámica, adolecía, empero, de precisión en los lanzamientos a corta y media distancia.

Cuestión de meses. Luego de contribuir a la medalla de oro panamericana de Estados Unidos, Jordan daría los primeros pasos para convertirse probablemente la figura de todos los tiempos de la NBA.

En 1984, después de ser despreciado por las franquicias del Houston Rockets y del Pórtland Trail Blazers, fue a parar al Chicago Bulls, equipo con el cual ganó seis anillos y 10 títulos de máximo anotador.

El resto muestra el palmarés brillante de un basquetbolista singular, sui-géneris, capaz de anotar 30 puntos por partido, “ingardeable”, “intratable” en sus disparos y con el talento de los elegidos para el deporte de las canastas.

Fue compañero de aventuras de Magic Johnson en el Dream Team de 1992 en la Olimpiada de Barcelona.

Empero, como los psicoanalistas y estudiosos no son siempre muy confiables, me decidí a preguntarle directamente a Cupido: “antes en escuelas y universidades, pero ahora los centros de trabajo son los mejores”.

“Son flechazos de alcance fugaz, intermedio o de impacto prolongado y las razones, sencillas: la gente interactúa más en los espacios laborales que en su propia casa”, completó la idea.

El profesor Didier Clavier, reputado psicoanalista francés, coincide con el experto estadounidense David Regelson en la tendencia que marca el comportamiento social de la humanidad desde fines de los años 1990.

Ambos, asimismo, concuerdan en que por añadidura, las oficinas son recintos idóneos para cobijar el adulterio.

En Europa Occidental, América Latina y también en Canadá y Estados Unidos, sondeos de opinión revelaron que más del 70 por ciento de la población acepta si hay romances en sus lugares de trabajo.

Las investigadoras colombianas Lucía Nader y María Elvira González, en línea con los profesores Clavier y Regelson, aseguran que en la actualidad alrededor del 80 por ciento de las relaciones amorosas surgen y se desarrollas en las oficinas.

Otra hipótesis para explicar el fenómeno se afinca en el argumento de los intereses, casi todos materiales. Un romance en la universidad puede perdurar si las proyecciones de la pareja guardan denominadores comunes, junto a los sentimientos.

Sin pretender el didactismo, el hijo de Venus refiere los paralelos de criterios divergentes en edades mozas. Luego, ya con objetivos más definidos en un futuro profesional y con el favor de la madurez, la situación se hace idónea para el afamado arquero del amor.

El idilio jefe-secretaria es el más conocido, aunque hay muchos otros. Razón por la cual no pocos directivos se inclinan por escoger asistentes menos atractivas o de avanzada edad, para evitar suspicacias.

Aunque Cupido insiste en lanzar flechas, a veces incendiarias, en las oficinas, no tengo dudas de que muchos lectores enviarán este artículo a las llamas para evitar (…) que llegue a mano de sus cónyuges.

Aqui es un extracto

The concert hall at the Sydney Opera House holds 2,700 people. This blog was viewed about 27.000 times in 2011. If it were a concert at Sydney Opera House, it would take about 10 sold-out performances for that many people to see it.

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